Les peintures de Léonard de Vinci sont magnifiques et pleines de mystères. Ils sont portés à un degré de perfection inconcevable, car le maître a travaillé sur chacune de ses créations pendant plusieurs années.
Notre classement répertorie tous les plus grandes peintures de Léonard de Vinci, avec photos, noms et informations détaillées sur chacun d'eux. La liste ne comprenait pas de dessins d'inventions, de caricatures, ainsi que de peintures, pour lesquelles les historiens de l'art ont des doutes quant à leur appartenance au pinceau de Léonard. De plus, les copies de tableaux qui n'ont pas survécu jusqu'à nos jours ne sont pas incluses dans la sélection.
18. Homme de Vitruve
Années d'écriture: 1490.
Où se trouve: Galerie de l'Académie, Venise.
Matériaux: papier, plume, encre, aquarelle.
Dimensions: 34,3 x 24,5 cm.
Si vous dites que ce n'est pas une peinture, mais un dessin, vous aurez tout à fait raison. En effet, l'homme de Vitruve est un dessin, illustration, réalisé par Léonard de Vinci au livre du grand architecte romain antique Marc Vitruve et placé dans l'un de ses agendas.
Cependant, ce dessin n'est pas moins célèbre que les peintures figurant sur notre liste. Il est considéré non seulement comme une œuvre d'art, mais aussi comme une œuvre scientifique. Et démontre les proportions idéales du corps humain.
Après avoir étudié les mathématiques et la géométrie, en particulier les travaux de Vitruve, la soif de connaissance de Léonard atteint son apogée. Dans l'homme de Vitruve, il a appliqué l'idée de symétrie universelle, le nombre d'or ou la «proportion divine» non seulement à la taille et à la forme, mais aussi au poids.
- 6 paumes = 1 coude;
- longueur de la pointe de la base la plus longue à la base la plus basse de 4 doigts = 1 paume;
- 4 paumes = 1 pied;
- envergure du bras = hauteur;
- 4 paumes = 1 étape;
- 4 coudes ou 24 paumes = taille d'une personne.
D'autres peintures de Léonard de Vinci de renommée mondiale, qui incluent le principe du ratio d'or, sont Mona Lisa, The Annonciation et The Last Supper.
17. Madonna et l'oeillet
Années d'écriture: 1478 — 1480.
Où se trouve: Ancienne Pinakothek, Munich.
Matériaux: peinture à l'huile sur un tableau noir.
Dimensions: 42 x 67 cm.
De nombreux historiens de l'art attribuent cette œuvre au jeune Leonardo, alors qu'il était encore apprenti dans l'atelier de peinture de Verrocchio. Il existe un certain nombre de détails qui soutiennent cette version, par exemple, détaillant le visage de la Madone, dessinant ses cheveux, le paysage à l'extérieur de la fenêtre, ainsi que la lumière douce et diffuse caractéristique de l'artiste italienne.
Malheureusement, les années n'ont pas épargné l'image, et en raison d'une restauration incorrecte, la surface de la couche de peinture est devenue inégale.
16. L'Annonciation
Années d'écriture: 1472 — 1476.
Où se trouve: Uffizi, Florence.
Matériaux: peinture à l'huile sur un tableau noir.
Dimensions: 98 x 217 cm.
C'est avec l'Annonciation qu'il a commencé en tant qu'artiste de Léonard de Vinci. Ce tableau aurait été créé en collaboration avec Andrea del Verocchio, dans l'atelier dont il a été donné à l'âge de 14 ans. En faveur de la paternité du futur célèbre maître italien parle une précision anatomique étonnante, caractéristique de toutes les œuvres de Leonardo, ainsi qu'une série de croquis dans des journaux intimes existants. En faveur de la paternité de l'autre personne, la nature des coups de pinceau et la composition des peintures utilisées par Maria; ils contiennent du plomb inhabituel pour da Vinci.
Fait intéressant, si vous regardez l'image se tenant directement devant elle, vous remarquerez des défauts dans l'anatomie. Par exemple, la main de Marie semble un peu plus longue que celle typique des habitants ordinaires de la planète Terre. Cependant, si vous allez sur le côté droit de l'image et regardez à partir de là, la main de Mary est magiquement raccourcie, elle devient elle-même plus grande et le centre de gravité de l'intrigue est transféré sur sa figure - comme prescrit par l'intrigue. Très probablement, la prétendue inexactitude dans le physique est le résultat d'une illusion d'optique soigneusement conçue: l'image aurait dû être inclinée par rapport au spectateur.
15. Le baptême du Christ
Années d'écriture: 1476
Où se trouve: Uffizi, Florence.
Matériaux: peinture à l'huile sur un tableau noir.
Dimensions: 177 x 151 cm.
Et Leonardo a co-écrit ce travail avec son professeur. Selon Giorgio Vasari, qui a composé la biographie de l'artiste, Verrocchio a demandé au jeune apprenti (au moment de peindre Leonardo avait 24 ans) d'écrire la figure d'un ange aux cheveux blancs dans le coin gauche du tableau. Les enseignants étaient tellement impressionnés par les compétences de l’élève qu’il n’était plus engagé dans la peinture.
14. Portrait de Ginevra de Benchi
Années d'écriture: 1474 — 1478.
Où se trouve: National Gallery of Art, Washington.
Matériaux: peinture à l'huile sur un tableau noir.
Dimensions: 38,8 x 36,7 cm.
Une couronne de branches de laurier et de palmier au dos de l'image laisse entendre que la femme n'est pas simple. La première couronne indique ses études poétiques, et la seconde - qu'elle n'est pas étrangère à la miséricorde et à la compassion. Cette impression est soutenue par la beauté stricte et quelque peu sévère du modèle, sa peau d'albâtre pâle et ses paupières, comme en pensée, pendant des siècles. L'absence presque complète de bijoux et de vêtements modestement soulignés indique ses occupations intellectuelles. Et c'est vrai - le tableau représente la poétesse Ginevra de Benchi.
La manière de l'image (en particulier l'ombrage avec les doigts - Leonardo vient de commencer à maîtriser cette technique, donc la couche de peinture est inégale par endroits) parle déjà fort de la maîtrise du créateur. Éclairage doux particulièrement caractéristique et paysage en arrière-plan, comme enveloppé d'une brume lumineuse.
13. Madonna Benoit
Années d'écriture: 1479 — 1481.
Où se trouve: L'Ermitage, Saint-Pétersbourg.
Matériaux: peinture à l'huile sur toile.
Dimensions: 48 x 31,5 cm.
«Le fantôme d'une vieille femme» avec un «cou froissé», «un corps gonflé» et un «sourire édenté» - ces mots peu flatteurs ont été décrits par un historien de l'art américain qui a été chargé par les propriétaires, la famille Benois, d'établir la paternité. Malgré toutes les épithètes colorées, il l'attribuait toujours comme appartenant au pinceau de Léonard de Vinci - à la fois le style d'écriture et la lumière diffuse douce inhérente à l'artiste, créant sans effort le volume de deux figures, en faveur.
L'un des détails symboliques est une plante crucifère, faisant allusion à ce que le destin attend l'enfant. Cependant, ni la mère ni le bébé ne le savent encore. Il joue sans soucis et elle le regarde avec un sourire.
12. Adoration des mages
Années d'écriture: 1479 — 1482.
Où se trouve: Uffizi, Florence.
Matériaux: peinture à l'huile sur un tableau noir.
Dimensions: 246 x 243.
Une des peintures du grand artiste, sculpteur, scientifique et ingénieur de la Renaissance est malheureusement restée inachevée. Leonardo a déménagé dans une résidence à Milan et n'allait pas revenir. Heureusement, les clients ont conservé l'image inachevée. Il est remarquable pour sa composition non standard et sa riche signification symbolique.
Par exemple, Marie est assise sous un chêne, qui est un symbole d'éternité, un palmier pousse au loin - un signe de Jérusalem et les ruines d'un temple païen à l'horizon - la destruction de la religion païenne, qui a évincé le christianisme.
11. Saint Jérôme dans le désert
Années d'écriture: 1480 — 1490.
Où se trouve: Vatican Pinacoteca.
Matériaux: peinture à l'huile sur un tableau noir.
Dimensions: 103 x 75 cm.
Malgré le fait que l'image soit restée inachevée, elle a fait forte impression sur les contemporains. Cela est principalement dû à l'incroyable précision anatomique de l'image du corps humain, célèbre pour Leonardo.
Un sort difficile attendait la peinture - après un certain temps, le travail a été scié et les planches ont été utilisées pour les usages les plus basiques. Il est allégué que l'un des amateurs d'art a trouvé une partie de l'image sous la forme d'un couvercle sur la poitrine.
10. Madonna Litta
Années d'écriture: 1478 — 1482.
Où se trouve: Ermitage.
Matériaux: tempera, planche.
Dimensions: 42 x 33.
La maîtrise du grand artiste italien s'est manifestée, entre autres, par des détails racontant une sorte d'histoire. Par exemple, une robe rouge pour femme est équipée de coupes spéciales pour l’alimentation, dont l’une est cousue. Apparemment, elle a décidé qu'il était temps d'arrêter l'allaitement. Mais l'un d'eux est pressé de se retourner - les points de suture et les extrémités suspendues du fil sont visibles.
9. Madonna dans les rochers
Années d'écriture: 1483 - 1490 et 1495 - 1508.
Où se trouve: Le Musée du Louvre et la London National Gallery.
Matériaux: peinture à l'huile sur un tableau noir.
Dimensions: 199 x 122 cm
Dans le monde, il y a deux œuvres presque identiques de Leonardo du même nom. L'un d'eux est à Paris et l'autre à Londres. La première version de da Vinci a été commandée pour l'aile de l'autel et avec un complot clairement défini. Cependant, l'artiste a apparemment considéré que son talent et ses capacités lui donnent droit à certaines libertés. En conséquence, ils étaient si nombreux que les clients ont refusé de payer les travaux. Un procès de longue date a commencé, qui s'est toutefois relativement bien terminé. La deuxième version a commencé à pendre dans l'église, et la première a disparu des radars d'art environ cent ans et demi, jusqu'à ce qu'elle soit découverte dans le trésor des rois français.
Comme beaucoup d'autres tableaux de Leonardo, celui-ci est plein de messages cryptés. Le cyclamen à côté de Jésus symbolise l'amour, la primevère - la vertu, l'acanthe - la résurrection à venir et le millepertuis - le sang versé par les martyrs chrétiens. C'est cette image que l'auteur du célèbre «Da Vinci Code» a essayé d'utiliser comme illustration de ses constructions, où il a déclaré qu'en fait le sens de l'intrigue traditionnelle est complètement différent.
8. Portrait d'un musicien
Années d'écriture: 1485 — 1487.
Où se trouve: Bibliothèque Ambrosian, Milan.
Matériaux: peinture à l'huile sur un tableau noir.
Dimensions: 43 x 31.
La seule image de portrait d'un homme parmi les célèbres peintures de Vinci. Initialement, les historiens de l'art pensaient que l'image représentait le duc de Milan lui-même, patron et ami de Léonard de Vinci (combien une personne occupant une telle position publique peut généralement être quelqu'un d'autre). Jusqu'à ce qu'il soit découvert par la suite que le jeune homme tenait un parchemin dans ses mains, en commençant par les mots «chanson angélique». Par conséquent, l'image a été renommée "Portrait d'un musicien". Et un certain nombre de critiques d'art font une supposition audacieuse qu'il s'agit de Leonardo lui-même, car la musique est également entrée dans sa sphère d'intérêt.
7. Dame à l'hermine
Années d'écriture: 1488 — 1490.
Où se trouve: Musée Czartoryski, Cracovie.
Matériaux: peinture à l'huile sur un tableau noir.
Dimensions: 54,8 x 40,3 cm.
Bien que la paternité d'un brillant artiste italien ait parfois été remise en question, les critiques d'art étaient pour le moment d'accord: c'est l'un des meilleurs tableaux de Léonard de Vinci, sinon le plus parfait d'un point de vue pittoresque. On pense que l'artiste, qui adorait les énigmes et les chiffres, à l'image d'un animal blanc dans les bras du modèle, a crypté son nom. En latin, la famille Kunih est appelée coup de vent, et le nom de la fille est Cecilia Gallerani.
La peau d'hermine blanc comme neige (et il est très probable qu'il soit représenté dans le portrait) est un défi audacieux au statut quelque peu douteux d'un confinement du duc de Milan. Selon les croyances populaires, cet animal apprécie tellement sa fourrure blanche immaculée qu'il est plus susceptible de mourir que de le tacher de saleté.
6. La dernière Cène
Années d'écriture: 1495 — 1498.
Où se trouve: Temple de Santa Maria delle Grazie, Milan.
Matériaux: fresque.
Dimensions: 460 x 880 cm.
L'une des peintures les plus célèbres de Léonard de Vinci n'est essentiellement pas telle. Il s'agit d'une sorte d'expérience la plus grande et la plus infructueuse du grand scientifique italien. À la fin du XVe siècle, le duc de Milan a ordonné à l'illustre artiste de peindre le mur du monastère pour un montant équivalent à 700 mille dollars.
Il était supposé que l'artiste peindrait, comme beaucoup avant lui, sur du plâtre brut - après le polissage final, une telle peinture serait solide et durable. Cependant, la peinture murale impose ses limites - en plus de la manière spécifique d'appliquer les peintures (il est nécessaire d'écrire immédiatement et en blanc, d'autres corrections sont impossibles), seuls certains pigments lui conviennent. Et puis leur luminosité diminue, "mangée" par une surface bien absorbante.
Pour Leonardo, qui était sceptique quant à l'autorité, qui venait à tout seul et, apparemment, était assez fier de cette circonstance, de telles restrictions étaient insupportables. Avec une échelle véritablement Renaissance, il a décidé de rejeter l'héritage du passé et de retraiter l'ensemble du processus - de la composition du plâtre aux peintures utilisées. Le résultat était prévisible. La couche de peinture de la peinture murale a commencé à se décomposer déjà deux décennies après la fin des travaux. En plus des solutions techniques infructueuses, l'image a souffert de temps en temps.
D'abord, les habitants du monastère ont décidé de scier les pieds du Christ en faisant une porte à cet endroit, puis les peintres sans talent, essayant de renouveler le tableau, ont perverti sans vergogne son intrigue (par exemple, la main de l'un des apôtres s'est transformée en ... un pain). Le bâtiment a été inondé, puis un grenier à foin a été construit et une bombe a frappé le temple pendant la Seconde Guerre mondiale. Heureusement, la fresque n'en a pas souffert. Il n'est pas surprenant que 20% de la peinture originale ait à peine atteint notre époque.
Il est intéressant de noter que c'est cette image en ruine et teintée de temps en temps qui pendant de nombreuses années a été la peinture la plus célèbre de da Vinci - mais qu'est-ce qui est là, la seule disponible pour le spectateur ordinaire. Le reste était gardé par les riches de ce monde. Le statu quo n'a changé qu'avec le transfert de Joconde de la chambre de Napoléon au Louvre.
Des deux fresques restantes créées par da Vinci, seuls des fragments ont survécu à ce jour.
5. Beau Ferronier
Années d'écriture: 1493 — 1497.
Où se trouve: Musée du Louvre, Paris.
Matériaux: peinture à l'huile sur un tableau noir.
Dimensions: 62 x 44 cm.
Une légende intéressante est associée à l'une des peintures les plus célèbres de Léonard de Vinci. Lorsque la photo est arrivée en France, l'un des propriétaires a écrit dessus: «ferronier». Ce mot mystérieux (comme la beauté incontestable d'une femme) a pendant de nombreuses années excité l'imagination des personnes proches de l'art.
Le vaillant «historien de l'amour», Guy Breton, qui a vécu à notre époque, a composé toute une histoire. Apparemment, la beauté sans nom était la maîtresse de François Ier, et elle a commencé à porter ses bijoux pour cacher l'ecchymose reçue pendant la nuit avec le roi.
Très probablement, la peinture de Léonard de Vinci avec le nom "Beau Ferronier" représente Lucretia Crivelli. Elle était l'une des amantes du patron de Léonard, le duc de Milan. Et le nom vient de sa décoration sur son front - un ferronier.
4. Tête de fille
Années d'écriture: 1500 — 1505.
Où se trouve: National Gallery, Parme.
Matériaux: peinture à l'huile sur un tableau noir.
Dimensions: 24,6 x 21 cm.
L'image incomplète d'une jeune femme avec une coiffure négligente (d'où l'autre nom de l'image - La Scapigliata, en lambeaux) a été peinte d'une manière similaire à d'autres œuvres inachevées - peintures à l'huile avec un peu de pigment. Les critiques d'art, cependant, pensent que le contraste entre des cheveux à peine dessinés et un visage parfaitement exécuté faisait partie des plans de l'artiste.
Léonard a probablement été inspiré par un extrait de l'ancien écrivain Pline l'Ancien, populaire à la Renaissance. Il a dit que le grand artiste Apelles avait intentionnellement laissé sa dernière image de Vénus Kosskaya inachevée et que les admirateurs l'admiraient plus que ses autres œuvres.
3. Sainte Anna avec la Vierge et l'Enfant-Christ
Années d'écriture: 1501 — 1517.
Où se trouve: Musée du Louvre, Paris.
Matériaux: peinture à l'huile sur un tableau noir.
Dimensions: 168 x 112 cm.
Le contenu de cette image est profondément symbolique, Mary s'assoit sur les genoux de sa mère Anna et étend ses mains à la génération de son ventre - le bébé Christ. L'agneau symbolise la douceur et le sort à venir du Sauveur en sacrifice pour les péchés du monde.
Les contemporains ont profondément apprécié la vivacité et le naturel des expressions faciales des trois participants à la scène - en particulier le mystérieux demi-sourire propriétaire de Leonard, avec lequel Anna regarde sa fille et son petit-fils.
2.Mona Lisa (Mona Lisa)
Années d'écriture: 1502 — 1516.
Où se trouve: Musée du Louvre, Paris.
Matériaux: peinture à l'huile sur un tableau noir.
Dimensions: 76,8 x 53.
Il est probablement difficile de trouver une personne sur la planète qui ne connaîtrait pas la "Joconde". C'est certainement l'œuvre la plus célèbre d'un italien talentueux. Beaucoup de mystères et de secrets de cette peinture de Léonard de Vinci n'ont pas encore été résolus:
«Mona Lisa» revêt une importance particulière dans la vie de l'artiste - ce n'est un secret pour personne que, fasciné par quelque chose de nouveau, il revient parfois à contrecœur à un travail interrompu. Cependant, il a travaillé sur Gioconda avec passion et passion. Pourquoi?
On ne sait pas exactement qui est représenté dans le portrait. Était-ce la femme du marchand del Giocondo? Ou la même femme qui a posé pour "Dame à l'hermine"? Il existe même une version que Salai, l'un des apprentissages de l'artiste, représenté par lui dans au moins deux autres peintures, a servi de modèle à Mona Lisa.
De quelle couleur était la robe Gioconda à l'origine? Apparemment, Leonardo a de nouveau expérimenté avec des peintures, et encore sans succès, de sorte qu'il ne reste rien de la couleur d'origine des manches. Les contemporains ont d'ailleurs admiré la magnifique couleur de l'image.
Et enfin, le mystérieux demi-sourire - sourit-elle du tout, ou est-ce juste une illusion habilement créée par l'artiste en raison des ombres dans les coins de ses lèvres?
1. Jean-Baptiste
Années d'écriture: 1508 — 1516.
Où se trouve: Musée du Louvre, Paris.
Matériaux: peinture à l'huile sur un tableau noir.
Dimensions: 69 x 57 cm.
La dernière photo de l'artiste, qui représente prétendument Salai, est l'un des apprentis de l'artiste, qui pour une raison inconnue a apprécié l'emplacement spécial de Leonardo. Le maître a beaucoup pardonné à l'étudiant. Jusqu'au vol d'argent pour un imperméable acheté à l'avance, dans lequel Salai a été drapé pour Bacchus - une peinture qui n'a survécu à ce jour que sous forme de copie. Le visage choyé, les boucles soigneusement bouclées et un demi-sourire particulièrement impudique ont suscité certains doutes sur la nature de la relation entre le maître et l'apprenti.
Cependant, selon les journaux intimes de l'artiste, il est difficile de comprendre quoi que ce soit - après des accusations de sodomie à un jeune âge, il a soigneusement évité de mentionner sa vie personnelle n'importe où. Par la volonté, il a laissé sa succession et son argent, en passant, à Leonardo du même Salai et à un autre de ses assistants.
Autoportrait de Turin Léonard de Vinci
Années d'écriture: après 1512.
Où se trouve: Bibliothèque royale, Turin.
Matériaux: sanguine, papier.
Dimensions: 33,3 x 21,6 cm.
Il est considéré comme un autoportrait de l'artiste, peint à l'âge de 60 ans. Le portrait a été fait avec un bâton pour dessiner à partir de kaolin et d'oxydes de fer, c'est pourquoi l'image a une teinte jaunâtre. Actuellement non exposé en raison de la fragilité.
Il y a toujours une controverse autour de la paternité de l'œuvre populaire, malgré le fait que les hachures vont de gauche à droite, comme Leonardo était habitué, mais certains historiens de l'art le considèrent comme un faux. Selon certains rapports, lors d'une enquête aux rayons X, une peinture datant vraisemblablement du XVIIe siècle a été trouvée sous l'image d'un vieil homme.
Le tableau le plus cher de Léonard de Vinci dans une collection privée: Sauveur du monde
Coût: $400 000 000
Années d'écriture: 1499 — 1507.
Où se trouve: collection privée.
Matériaux: peinture à l'huile sur un tableau noir.
Dimensions: 66 x 47 cm.
Que l'auteur de cette photo était précisément Léonard de Vinci, de nombreux critiques d'art en doutent. Pour cette raison, elle n'était pas sur notre liste principale. Cependant, «Sauveur du monde» est sans aucun doute l'une des œuvres d'art les plus chères de l'histoire.
Lors de la vente aux enchères de Christie’s en novembre 2017, la toile a été vendue pour un montant impressionnant de 400 millions de dollars. Maintenant, il est stocké dans la collection privée de l'un des princes saoudiens et, peut-être, sera exposé dans la succursale du Louvre dans ce pays.
